El alfabeto endurecido de León Ferrari y Mira Schendel llega al Museo Reina Sofía

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ha presentado la exposición “León Ferrari y Mira Schendel: el alfabeto endurecido”, que tras su paso por el MOMA de New York llega a Madrid convirtiéndose en la primera gran muestra en torno a la figura de estos dos artistas latinoamericanos celebrada en nuestra país.

León Ferrari y Mira Schendel están considerados como dos de los artitas iberoamericanos más relevantes de la segunda mitad del siglo XX. A pesar de no haberse conocido nunca, sus trabajos, salvando las diferencias estilísticas, muestran un gran paralelismo ya que ninguno de ellos encaja en ninguno de los “ismos” del siglo XX, sus obras están fuera del canon de la época y no responden a ninguna ideología predeterminada.

Pero sin duda el nexo de unión más importante entre sus trayectorias es la importancia que el lenguaje tiene en cada una de sus obras, un lenguaje que les obsesiona y se convierte en materia y significado de cada una de sus piezas, quizás por el contacto constante que tuvieron con la poesía y los poetas de su tiempo como Alberti o Haroldo de Campos.

Tanto Ferrari como Schendel, a pesar de ser artistas visuales, nunca abandonaron el oficio del verbo, convirtiéndolo en el centro de su imágenes y en el productor de las mismas. Influenciados por la crisis del supuesto agotamiento de las técnicas artísticas tradicionales que se dio en los 60, ambos deciden crear objetos de arte a partir de la descripción del propio proceso de creación, de este modo el papel, la tinta, la caligrafía, la escritura y las palabras se convierten tanto en la técnica como en el mensaje de la obra artística, creando de este modo un arte completamente centrado en el lenguaje, el cual modelan, configuran a su modo o incluso inventan, concentrando sus procesos creativos en los distintos aspectos de ese lenguaje.

La exposición permitirá al visitante observar cronológicamente la evolución paralela de ambos artistas desde los años cincuenta hasta finales de los ochenta, en el caso de Schendel, y hasta el 2007 en el caso de Ferrari.

Se trata por tanto de una extensísima muestra con más de 200 obras, muchas de ellas nunca expuestas hasta ahora, realizadas en una gran variedad de técnicas como cerámicas, dibujos, escultura, pinturas, etc.

El recorrido comienza con las primeras obras de ambos artistas en las que domina el uso de la línea y el estudio de la materia como origen de las formas.

Tras esta sala introductoria se exponen los trabajos realizados en la época de los sesenta y setenta donde el uso de letras, palabras y frases se hace esencial en cada una de las obras, de este modo el visitante podrá contemplar los primeros ejemplos de escritura abstracta realizados por Ferrari en 1962 y de los que más adelante surgirán sus famosos “dibujos escritos” en los que reflexiona sobre el arte, sobre la iglesia y sobre el Estado y cuyo mayor ejemplo se puede encontrar en su obra “Cuadro Escrito” también presente en la muestra. A su vez se muestran las obras más características de Mila Schendel en las que el papel japonés se convierte no solo en soporte de sus cuadros sino en la materia misma de sus esculturas, cuyo ejemplo más claro se refleja en su obra “Trenzinho” de 1965 en la que Schendel, a través de una escultura inmensa realizada exclusivamente con papel de arroz, plantea una profunda reflexión sobre el vacío y el silencio.

Por último la muestra recoge los últimos trabajos realizados por  Schendel en 1987, bajo el titulo “Sarrafos”, en los que muestra inmensos lienzos blancos rotos por estructuras tridimensionales negras. Junto a ellos se exponen las obras realizadas por Ferrari entre 2006 y 2007, en las que la crítica a la iglesia y a la política es evidente en obras como el “Juicio Final” o en su serie “Relecturas de la Biblia” en la que, a través de foto montajes en los que mezcla la iconografía religiosa con fotografías contemporáneas, hace una crítica acida y severa a la iglesia católica.

Se trata por tanto de una magnífica y muy completa exposición en la que el público podrá descubrir y familiarizarse con el trabajo de estos dos grandes artistas latinoamericanos del siglo XX , un trabajo en el que el mensaje profundo de cada una de sus obras no esta reñido con el fantástico resultado visual de las mismas, produciendo así unas piezas rotundas en las que el lenguaje es el protagonista indiscutible.

Marta de Orbe

Mira Schendel (Suiza, Zúrich1918- Sao Paulo, Brasil 1988)
Mira Schendel estudió arte, filosofía y teología. Pasó su primera juventud en el Palacio Brera en Milán, Italia, donde su padrastro, el Conde Tommaso Gnoli, trabajaba como librero principal en la Biblioteca Braidense. Desde su infancia estuvo inmersa en el ambiente intelectual más culto de Italia, donde inició su formación artística en 1936. Durante la Segunda Guerra Mundial, Schendel se trasladó primero a Yugoslavia para escapar a la persecución nazi y, años más tarde, a Roma, antes de emigrar definitivamente a Brasil. Fue en Porto Alegre donde comenzaría a crear pinturas y piezas cerámicas, a la vez que impartiría clases y publicaría poesía. Schendel inició su carrera como artista entendiendo siempre el arte como la expresión más radical de la intuición humana. Tras recibir una invitación para exponer en la primera Bienal de São Paulo celebrada en 1951, se trasladó a esa ciudad en 1953.

Desde la década de los cincuenta, su obra ha formado parte de numerosas muestras  realizadas en Brasil y, en los años sesenta, empezó a exponer en Europa: Desde finales de la década de los ochenta, su obra se ha incluido en numerosas exposiciones celebradas tanto en Europa como en los Estados Unidos. Entre las colectivas destacan: The Image of Thinking in Visual Poetry, Museum, Nueva York (1989); The Experimental Exercise of Freedom: Lygia Clark, Gego, Mathias Goeritz, Hélio Oiticica, Mira Schendel, Museum of Contemporary Art, Los Ángeles (1999), y las exposiciones del MoMA Latin American Artists of the Twentieth Century (1992); MoMA at El Museo: Latin American and Caribbean Collection from The Museum of Modern Art (2004), y New Perspectives in Latin American Art, 1930-2006: Selections from a Decade of Acquisitions (2007/08). Schendel también ha sido objeto de  varias exposiciones individuales en lugares como The Drawing Center, Nueva York (1995);  la Galerie Nationale du Jeu de Paume, París (2001), y de una retrospectiva itinerante mostrada en el Museu de Arte Moderna, São Paulo; el Museo Tamayo Arte  Contemporáneo, México, y el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (2004).

León Ferrari (Buenos aires, 1920)

Está considerado uno de los artistas vivos más importantes de Latinoamérica. Su producción abarca una extensísima gama de medios artísticos: escultura, pintura, dibujo, assemblage, teatro, cine, collage, fotocopia, arte postal, escritura, caligrafía, poesía, happenings y sonido. Sus primeras obras, realizadas a finales de la década de los cincuenta, fueron unas esculturas de arcilla y yeso con reminiscencias de las tendencias abstractas de la época.

En 1960, León Ferrari dejó Italia (país en el que residía desde 1952) y volvió a Argentina, donde creó una serie de piezas escultóricas de alambre entrelazado y un conjunto de dibujos que parecen textos de escrituras ilegibles, caligrafías gestuales, garabatos con gotas de tinta y collages. Estos dibujos marcan el inicio del interés de León Ferrari por formas que pueden percibirse alternativamente como abstractas, configuraciones orgánicas e indescifrables códigos escritos. El interés de Ferrari por la escritura incluye, tanto lo puramente caligráfico, como la idea de un mensaje cuyos códigos no son hechos naturales sino invenciones humanas. A principios de la década de los sesenta, Ferrari abandonó el formalismo vanguardista para practicar modalidades de creación artística más políticas y polémicas. Empujado al exilio, Ferrari vivió en São Paulo  entre 1976 y 1986, un período en el que reconsideró las técnicas de su obra y se concentró en medios más cercanos al arte conceptual, como la xerografía, la tipografía y el offset.

León Ferrari, que a sus 87 años sigue totalmente activo en la escena artística  contemporánea argentina, es en la actualidad uno de los creadores más prodíficos de  Latinoamérica. Su obra se ha incluido en todas las retrospectivas sobre el arte  latinoamericano del siglo XX:  Re-Aligning Vision: Alternative Currents in South American Drawings, Universidad de Texas en Austin (1997); Heterotopias: Medio siglo Sin-Lugar 1918- 1968, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2000); MoMA at El Museo: Latin American and Caribbean Collection from The Museum of Modern Art (2004), El Museo del Barrio, Nueva York; New Perspectives in Latin American Art, 1930-2006: Selections from a Decade of Acquisitions (2007/08), MoMA, Nueva York, y Latin American and Caribbean Art: Highlights from the Collection of The Museum of Modern Art (2008), New York State Museum, Albany, Nueva York. Recientemente, su obra ha sido objeto de dos retrospectivas celebradas en el Centro Cultural La Recoleta, Buenos Aires (2004) y en la Pinacoteca do Estado de São Paulo, Brasil (2006). Su trabajo más reciente pudo verse en la edición número 52 de la Bienal de Venecia (2007), donde recibió el León de Oro en reconocimiento a su trayectoria artística.

La exposición se podrá ver hasta el 1 de marzo.
Esta exposición ha sido organizada por el Museo de Arte Moderno de Nueva York bajo los auspicios del International Council, en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid y la Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre.