Monet inunda Madrid con sus jardines desde CentroCentro

CentroCentro abre las puertas a la exposición Monet. Obras maestras del Musée Marmottan Monet

La exposición antológica del padre del Impresionismo, Claude Monet, muestra más de 50 obras maestras de Monet, las que más apego tenía el propio pintor, las «suyas», las que conservó celosamente hasta la muerte en su casa de Giverny, y de las que nunca quiso separarse, entre ellas los celebérrimos y emblemáticos Nenúfares.

Las pinturas de la exposición son verdaderas obras maestras del Impresionismo. Entre las obras de Monet, se pueden ver otras de Johan-Barthold Jongkind, Eugène Delacroix, Eugène Boudin, Gilbert Alexandre de Séverac, Auguste Rodin, Pierre Auguste Renoir, Paul Paulin y Charles Émile Auguste Durand (Carolus-Duran).

«Mi jardín es una obra lenta, hecho con amor. Y no escondo que me enorgullece» a lo largo del recorrido se pueden leer frases del artista que acompañan a las pinturas de forma coherente «Amo el agua, pero también las flores». Por otra parte, y como cada vez es más habitual, las nuevas tecnologías hacen su aparición en el recorrido en forma de proyección de imágenes de paisajes que unen las secciones temáticas de la exposición, pequeños recorridos donde el espectador se sumerge en el agua y nenúfares.

Esta gran exposición con pinturas que maravillan desde el principio al final del recorrido, tiene pequeños puntos sin resolver como son los paneles didácticos que se ofrecen a lo largo del recorrido y que no completan su objetivo por la mala iluminación o simplemente porque las puertas chocan entre ellas y no se abren bien. Es la única pega que se le puede poner a la exposición. Entre éstos paneles hay explicaciones sobre «El filtro de la niebla» y que ayudan a entender mejor la pintura del artista ya que Monet era un gran amante del manto de la niebla, que borra los motivos y colorea la atmósfera. Solo con un penacho de humo, por ejemplo, podía representar la presencia del tren. Londres resultó un laberinto de investigación para Monet, especialmente la niebla en el período industrial, era densa debido a la combinación de la humedad del clima con el abundante humo de las chimeneas de las fábricas. Los colores se hacen más cálidos incluso el sol se vuelve rojo. Para representar este efecto, Monet hace más grises y claros los colores y en el cielo usa tonos rosados.

«La vista de Monet» Hacia los años setenta Monet empezó a tener problemas de vista, por lo que solo pintaba en algún momento del día cuando la luz era mejor y se protegía los ojos con un sombrero de paja con una gran ala y después terminaba la pintura en el estudio. En esta etapa de su vida Monet no conseguía captar los tonos intermedios o los más profundos y los rojos empezaban a aparecer fangosos. Sufría cataratas, los colores se volvían en sus ojos más amarillos y oscuros, en sus pinturas desaparecen los detalles y los matices de color y las figuras pierden tridimensionalidad. Con ochenta y tres años se opera de un ojo y mejora su visión algo que le pareció suficientemente satisfactorio ya que no quiso operarse del ojo izquierdo y encargó unas gafas de lentes amarillas fabricadas en Alemania con las que pudo recuperar el color verde, el rojo y el azul atenuado.

Un tercer panel didáctico está dedicado a «Los pigmentos de Monet» la estupenda explicación no se completa por la falta de espacio entre las ventanas ya que chocan y no se pueden abrir bien, pero a pesar de ello vale la pena parar y leer y ver las obras que esconden las ventanas. La paleta de Monet fue cambiando con el paso del tiempo y la evolución de su técnica. Usó los pigmentos sintéticos recién salidos al mercado. En 1860 renunció al negro y a los colores oscuros como el azul Prusia. Más adelante prescindió del amarillo cromo y el verde esmeralda por su poca estabilidad. Al principio hacía los colores mezclando hasta siete u ocho pigmentos, después dos con el blanco como máximo superponiéndolos directamente en el lienzo. Era muy exigente con la calidad de los pigmentos, entre sus colores preferidos estaba el blanco plateado, una variedad del blanco plomo; el amarillo zinc, amarillo limón o también conocido como amarillo ultramar; Otro amarillo que Monet usaba era el cadmio, era uno de los preferidos del artista; naranja cadmio, tardó en llegar al mercado por su elevado precio, Monet lo utilizaba para crear verdes cálidos y puro en sus flores; Bermellón o cinabrio, los exámenes microscópicos han descrito el tipo más frecuente en su paleta el bermellón chino; Laca de granza en todas sus tonalidades, desde el rojo cereza al violeta purpúreo para los nenúfares mezclándola en la tela con el bermellón; violeta cobalto claro fue un descubrimiento cuando salió al mercado y desde entonces era parte de su paleta de colores; Con el azul cobalto Monet creaba sombras azules y mezclado con otros colores pintaba el agua de sus nenúfares.

Las obras procedentes del Musée Marmottan Monet de París, son parte de su colección, el más importante y nutrido conjunto de obras del artista francés, fruto de la donación que realizó su hijo Michel en 1966, cuarenta de las obras que se muestran proceden de la donación.

Para la exposición de Madrid, el museo presta obras excepcionales como Retrato de Michel Monet con gorro de pompón (1880), El tren en la nieve. La locomotora (1875) o Londres. El Parlamento. Reflejos en el Támesis (1905), junto con cuadros de gran formato como sus cautivadores Nenúfares (1917-1920) y sus evanescentes Glicinas (1919-1920).

El recorrido de la exposición se centra en las distintas etapas de las investigaciones de Monet, desde sus inicios en las costas normandas hasta su última obra, los Nenúfares, pintados en su propiedad de Giverny, pasando por sus viajes a Holanda, Noruega y Londres. Destacar que la mayoría de los cuadros expuestos forman parte de la herencia directa de Claude Monet. Se trata de las obras que Monet guardó en su estudio, en la casa familiar de Giverny, hasta su muerte en 1926.

Los orígenes del Musée marmottan Monet: Desde el imperio hasta el Impresionismo
En 1932, Paul Marmottan (1856-1932) legó su palacete del XVI arrondissement de París y sus colecciones a la Académie des Beaux Arts, que en 1934 convirtió el edificio en un museo. El mobiliario imperial y los cuadros neoclásicos ilustran la pasión de Marmottan por el arte de la Europa napoleónica y constituyen el primer fondo de la institución parisina, que en 1999 adoptó el nombre de Musée Marmottan Monet.

La incorporación del apellido del gran pintor refleja el enriquecimiento de la propia institución. Este excepcional conjunto nació en 1940 gracias a la donación de Victorine Donop de Monchy, de quien se expone en la muestra un retrato, así como dos de las obras maestras que donó al museo, La primavera a través de las ramas y El tren en la nieve. La locomotora, ambas de Claude Monet.

En 1966, el museo pasó a ser depositario del primer fondo mundial de obras de Claude Monet (1840-1926) gracias al legado del hijo pequeño y descendiente directo del pintor, Michel Monet, que, aparte del busto de Monet por Paulin, añadió a las colecciones de la institución un centenar de cuadros de su padre desde sus inicios como pintor hasta su última etapa. Cuarenta de ellas forman el núcleo de esta muestra.

La luz impresionista
Con su decisión de salir del estudio y pintar la naturaleza, los impresionistas rompen con la jerarquía de los géneros en la pintura. A partir de entonces lo que prima ya no es tanto el tema en sí como la sensación provocada por un paisaje o por las escenas de la vida moderna.

Convertido en maestro de la pintura al aire libre, Monet dedicó toda su vida a captar las variaciones luminosas y las impresiones de colores de los lugares que miraba. Más que en el motivo, su interés se centraba en la transfiguración de este último por obra de la luz.

Para aprehender esta luz cambiante, el pintor trabajaba deprisa a base de pinceladas sucesivas y no dudaba en aventurarse por lugares expuestos a cambios meteorológicos bruscos. La costa de Normandía, y sus puestas de sol o los paisajes de Holanda, adonde volvió en 1886, le permitieron abordar las intensidades lumínicas de una naturaleza aún salvaje.

El Plein air
En el siglo XIX, el advenimiento del ferrocarril y la invención de la pintura en tubos dieron más libertad de movimiento a los pintores, junto con la posibilidad de pintar al aire libre, práctica que sin embargo tenía sus limitaciones. Obligados a desplazarse con su material, los artistas elegían lienzos de pequeño formato y fáciles de transportar. También tenían que pintar deprisa, a fin de plasmar lo que veían al instante.

Fueron Johan Barthold Jongkind (1819-1891) y Eugène Boudin (1824-1898) quienes iniciaron a Monet en esta práctica. El pintor recorría Francia con asiduidad e hizo varios viajes por el extranjero con el objetivo de pintar marinas, paisajes o escenas de la vida familiar, como el retrato abocetado de su esposa Camille (1870). En algunas de sus sesiones en plein air, Monet recurría a los servicios de un porteador, como Poly, a quien conoció en Belle-Île en 1886 y de quien pintó un retrato.

El jardín de Monet en Giverny. Más allá del Impresionismo
En 1883 el pintor se instaló en Giverny. En 1890 se hizo dueño de la propiedad y desde entonces ya no se alejó del valle del Sena. Al haber mejorado su situación económica pudo dedicarse casi en exclusiva durante veinte años a acondicionar la casa, y sobre todo a diseñar el jardín. Esta nueva estabilidad le permitió explorar el entorno y afinar su vista y su estudio de la naturaleza pintando todos los aspectos de las plantas y flores que lo rodeaban. La figura humana fue desapareciendo progresivamente de su obra, cuyo único asunto acabaron siendo los iris, los hemerocallis, los agapantos y sobre todo los nenúfares, al tiempo que adoptaba como tema predilecto su jardín acuático.

Al final de su vida, Monet vivía rodeado por sus creaciones, a caballo entre su estudio y su jardín. Las obras aquí expuestas proceden de su domicilio y constituyen, por su excepcionalidad y sus dimensiones, un conjunto único en el mundo.

Las grandes decoraciones
Desde 1914 hasta su muerte, en 1926, Monet representó su jardín acuático de Giverny en ciento veinticinco paneles de gran formato de los que regaló una selección a Francia (lo que se conoce actualmente como los Nenúfares de la Orangerie). Estas pinturas monumentales, pintadas directamente en el estudio, llevan a su paroxismo las investigaciones iniciadas ya con los Nenúfares de 1903 y 1907.

Al representar un fragmento de su estanque en formatos muy grandes, Monet no solo prescinde de cualquier perspectiva y referencia espacial, sino que también propone sumergir al espectador en una extensión de agua convertida en espejo: nubes y ramas de sauces se reflejan en la superficie del estanque en la que ya no se distingue entre arriba y abajo. Estos paisajes sin principio ni final invitan a una experiencia contemplativa en la que basta con representar una flor, un detalle de la naturaleza, para sugerir su inmensidad.

La Abstracción en cuestión
En 1908, Monet empezó a sufrir de cataratas, dolencia que le impedía ver con claridad y alteraba su percepción de los colores. Durante la lucha del pintor contra esta ceguera progresiva, su paleta se redujo quedando dominada por los marrones los rojos y los amarillos, como dejan patente en esa época, los ciclos de El sendero de los rosales, los Puentes japoneses y los Sauces llorones.

Su pintura también se volvió más gestual. Desde entonces en sus cuadros se hizo visible la mano que sujetaba el pincel. La forma se diluye frente al movimiento y el color y en su tránsito desde la representación hasta el esbozo acaba siendo casi indescifrable.

Estos cuadros de caballete sin parangón en la trayectoria de Monet dejaron una huella muy profunda en los pintores abstractos de la segunda mitad del siglo XX.

Acerca de Monet
Claude-Oscar Monet (París, 14 de noviembre de 1840 – Giverny, 5 de diciembre de 1926) está considerado en la historia del arte como uno de los fundadores del Impresionismo francés, hasta el punto de que el propio nombre del movimiento artístico está vinculado a una de sus obras, «Impresión, sol naciente» (1872). Dentro del movimiento, es sin duda el exponente más consistente y prolífico.

La filosofía de la pintura de Monet, que se puede apreciar en sus famosas series, es la de retratar la naturaleza tal como es, siempre cambiante; de modo que incluso tomar el mismo argumento una y otra vez no significa reproducir el mismo cuadro. El viento y las sombras devuelven a los ojos del artista un tema siempre cambiante.

Datos de interés
MONET. Obras maestras del Musée Marmottan Monet, París
CentroCentro (Plaza de Cibeles, 1.Madrid)
Fechas: 21 septiembre 2023 – 25 febrero 2024
Horario: De lunes a domingos 10:00 a 20:00 h
Precio Entrada general € 16
Precio Entrada reducida € 14

La exposición, organizada por CentroCentro – espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid – y Arthemisia en colaboración con el Musée Marmottan Monet de París. Comisaria general la conservadora del Musée Marmottan Monet Sylvie Carlier con el cocomisariado de la historiadora de arte, Marianne Mathieu y la asistente de conservación del Musée Marmottan Monet, Aurélie Gavoille, encargadas de realizar el discurso expositivo de la selección de obras que componen la muestra.